Man on wire - James Marsh - 2008

En 1974, Philippe Petit caminó entre las Torres Gemelas. Este funambulista es la estrella de "Man on Wire", documental británico de James Marsh, formado por entrevistas y vídeos caseros filmados por Petit y sus amigos, en los cuales vemos cómo se preparaba para lograr su hazaña y sus intentos previos en lugares menos complejos. Lo que "Man on Wire" transmite, más allá de la historia del francés, es una lección de vida, una enseñanza que sirve para todo el mundo: si tienes un sueño, lánzate a por él, que nada ni nadie te lo arrebate.Durante todo el documental vamos viendo las complicaciones que Petit y su equipo tuvieron para colarse en el WTC, subir a las torres, colocar los cables. Vemos la estrategia que idearon, la preparación física del funambulista, y asistimos a una filmación veraz en la que la superación personal es la verdadera estrella del film. Sabemos que finalmente logrará caminar entre ellas, pero el cómo llega a ello nos importa tanto como para atraparnos. Ese es uno de los principales logros de "Man on Wire", conseguir que el espectador se interese en lo que a priori es un simple "making off". Toda la película va sobre esto, olvidaos de lo que pasó después. No hay tampoco ninguna palabra sobre el 11-S, ni falta que hace. De esta forma, "Man on Wire" da lo que ofrece -la historia de Petit- y más. Y esto último es lo que cada espectador debe extraer de su visionado, guardárselo para sí y, a raíz de esto, juzgar su valor. Por mi parte, bastante alto.(Texto sacado de filmaffinity).

Ha ganado el Oscar 2009 en la categoría de película documental (“documental largo”, dicen también). No ha sido este su único galardón: antes mereció el Gran Premio del jurado y el Premio del público al mejor documental en el Festival de Sundance (2008), además del Premio del público en el Festival Internacional de Edimburgo (2008) y el Premio del público en el Festival de Cine de Los Ángeles (2008). En febrero pasado ganó también el BAFTA a la mejor película británica del año y el Independent Spirit Awards.

http://www.manonwire.es/

Galería de imágenes del film.

Los girasoles ciegos

Por encima de cualquier otra consideración, Los Girasoles Ciegos siempre será recordada por haber sido el último guión escrito por el genial Rafael Azcona. Puede que también sea recordada como un nuevo signo de la madurez del cine y de la sociedad española, un nuevo paso adelante para poder tratar sin miedos ni prejuicios historias de la Guerra Civil y la dictadura. Que a pesar del dicho popular de “otra película de la Guerra Civil”, el cine ha hecho muy pocas aproximaciones veraces a esa etapa tan oscura de nuestra historia.
Dicho esto, hay que admitir que Los Girasoles Ciegos no es ni mucho menos el mejor exponente de este tipo de cine. Sin ir muy lejos, la misma La Lengua de las Mariposas de Cuerda, o la extraordinaria Las 13 Rosas de Martínez-Lázaro del año pasado, son netamente muy superiores. No es tampoco el mejor trabajo de Azcona, aunque al tratarse de la adaptación de una novela no se le puede achacar todos los males del guión y la historia. La película tarda mucho en arrancar y Cuerda se demora excesivamente en la presentación de los personajes -con unas pocas pinceladas habría bastado-. El auténtico detonante de la trama no surge hasta los cuarenta minutos, lo que da una buena impresión de la falta de ritmo del film. No obstante, la película ofrece al espectador elementos tan interesantes como un certero análisis de la gran hipocresía de la jerarquía eclesiástica en todo lo referente al conflicto. En ese sentido, especialmente brillante es la secuencia inicial entre Raúl Arévalo -que se adueña completamente de la película- y un portentoso José Ángel Egido. Maribel Verdú, a mi modo de ver hace el papel de su vida, lo que la consolida como la mejor actriz del estado español, en cambio Javier Cámara se esfuerza en realizar una buena interpretación, pero el resultado es una actuación carente de fuerza. (Extraído casi en su totalidad de www.muchocine.net )
Recomendable.

Web oficial

El Extraño - Philippe Lioret - 2004

Película francesa dirigida por Phillipe Loiret, cuenta una sencilla historia de Camille (Anne Consigny), la cual llega a la isla de Ouessant, lugar en el que nació, para ocuparse de la venta de la casa de su familia, sin embargo descubrirá un secreto que se ocultaba entre las cuatro paredes de la vieja casa. La historia, transcurridas un par de décadas atrás, trata de la llegada a la isla de Antoine (Gregory Deràngere) un joven reservista de guerra quien, debido a su mano magullada, pide realizar el servicio de farero en dicha isla, uno de los lugares más peligrosos. La llegada de Antoine no será bien recibida por el pueblo, con la excepción de Mabé (Sandrien Bonnaire) bastante reacio a admitir gentes llegadas de otros sitios. El film, cuenta con sencillez y sutilidad las andanzas del atormentado Antoine y sus dificultades para encajar en la pequeña comunidad, así como sus dudas y remordimientos por la atracción que siente hacia Mabé, la mujer de su compañero Yvon (Phillippe Torreton). Loiret realiza un film que habla de personas con cara, piel, ojos y sentimientos, y con gran sutilidad va sugiriendo aspectos íntimos que guardan los personajes, sobretodo el personaje principal, del cual hasta el final no sabremos la verdadera causa de que quedara tullido en una mano. Amistad, secretos, convivencia, inadaptación, todos estos aspectos se van tratando en un pasaje natural bastante indómito y tormentoso que viene a reflejar el estado interno de todos los personajes que intervienen en la película. Sin duda este film es uno de los exponentes típicos del cine francés, el cual sin artificios, habla al espectador de tú a tú.
(Crítica de Manulynk en filmaffinity)

Web Oficial (España): www.vertigofilms.es/el-extraño

La banda nos visita - Eran Kolirin - 2007

Una vez más nos encontramos con una pequeña y sencilla joya.
La banda de música de la policía de Alejandría viaja a Israel en un momento en que está en tela de juicio el que merezca los pocos que le sustentan y su supervivencia. Van a inaugurar un centro de cultura árabe pero en el aeropuerto nadie los recibe, así que tienen que desplazarse por sus propios medios y a la hora de coger un autobús se equivocan y acaban en un lugar de nombre parecido pero distinto. Un pueblo en medio de la nada del desierto donde los tres habitantes de un bar, a la entrada de éste se convierten en sus ángeles guardianes dándoles en un momento de necesidad un poco de alimento y un lugar donde pernoctar a la espera de que llegue el siguiente autobús para ir a su verdadero destino.
Una historia sencilla en formato de comedia. Noventa escasos minutos de una cinta que deja un más que buen sabor de boca llena de momentos lúcidos. Momentos en la única cabina del pueblo, en la habitación de un niño, en un parque en plena noche o en una pseudo-discoteca donde los jóvenes bailan sobre patines… De hecho, en este último local creo que está la mejor escena de toda la película en un plano fijo sobre tres personajes sentados: una chica, uno de los habitantes del bar hipertímido y el galán de la banda, donde el galán le va diciendo que hacer al chaval para ligar.
Conclusión: un film sin pretensiones que nos lleva a unos ratos impagables sobre la comicidad de la vida misma.

Web Oficial: http://www.mangafilms.es/labandanosvisita/

Cometas en el cielo - Marc Foster - 2007

Marc Forster regresa con un proyecto muy interesante, se basa en la novela "COMETAS EN EL CIELO" de Khaled Hosseini que fue escrita en el 2003. En ella nos cuenta la historia de un país dividido al borde de la guerra civil, concretamente de Afganistán, allí dos niños, Amir y Hassan, están a punto de separarse para siempre.

Así, Foster gracias a un estupendo guión escrito por David Benioff y una historia universal nos lleva a un país lejano con una cultura distinta, a un país ahora devastado por múltiples guerras, primero por la invasión rusa y ahora por la norteamericana amparándose en el su guerra contra el terror.Esta es una historia hermosa que habla de redención, familia, amistad de una forma inteligente, interesante, con pulso, que seguro le tocará el corazoncito a más de uno, y a otros les abrirá los ojos sobre las atrocidades que se hacen en nombre de la democracia y la libertad. Pero también versa sobre la redención y la aceptación de uno mismo. Además, podrán disfrutar de los acordes geniales que ha compuesto el siempre brillante Alberto Iglesias, que se merecía el Oscar y se lo arrebataron en la última edición de los mismos.

Marc Foster hace una apuesta dura al introducir actores no profesionales procedentes de Afganistán y Asia Central en un reparto compuesto por actores internacionales, pero consigue limar asperezas y apenas notaréis la diferencia entre unos y otros, ahora quiero destacar a Zekiria Ebrahimi y Ahmad Khan Mahmoodzada, que dan vida respectivamente a Amir y Hassan de niños, decir que están estupendos es poco, su naturalidad es de agradecer y componen con verosimilitud una historia de amistad que sobrevivirá al paso del tiempo. Pero también quiero destacar al actor iraní Homayoun Ershadi que interpreta al testarudo Baba, el padre de Amir, que interpreta el momento más emotivo y valiente del film. El actor egipcio Khalid Abdalla ha tenido el honor de meterse en la piel del Amir adulto de una forma eficiente, y todos le recordaréis por haber interpretado a un terrorista en "United 93".Os recomendamos una vez más verla en versión original porque disfrutaréis de los diálogos recitados en dari, una de las dos principales lenguas habladas en Afganistán. Aunque también hay unos pocos hablados en pashto, el idioma de los talibanes, y en urdu, la lengua de Pakistán. Este impresionante largometraje como todo el mundo se puede imaginar no se ha rodado en Afganistán, se ha rodado en el desierto del Oeste de China que hace frontera con este país. Marc Foster se erige como un director comprometido, que le da igual el género que toca, desde la comedia "Más extraño que la ficción", al drama con "Monster's ball", es brillante, ingenioso, y sobre todo bueno, gastaros siete euros en ver esta tierna historia de amistad, me lo agradeceréis y saldréis con un buen sabor de boca.

Web Oficial (España): http://www.cometasenelcielo.es/

Web Oficial (USA): www.kiterunnermovie.com

Los Falsificadores- Stefan Ruzowitzky - 2007

Esta cinta nos cuenta, sin descuidar la crueldad de los campos, un capítulo diferente y para muchos desconocido: la historia de unos prisioneros expertos en las artes gráficas que fueron reclutados con el fin de falsificar la libra y el dólar con el objetivo de hundir las economías de los países enemigos. Para ello se centra en la vida de Sorowitsch, un excelente falsificador judío detenido al detectarse su imitación del billete estadounidense. Tras su detención, nuestro protagonista es trasladado a diferentes campos de concentración en los que el hambre y sufrimiento son la antesala de la muerte. Esta agonía lleva a Sorowitsch a agudizar su ingenio y a valerse de sus dotes como pintor para recibir un trato preferencial a cambio de retratar a los oficiales nazis hasta que es destinado al escuadrón de falsificación del que se hará cargo y que le obligará a enfrentarse a su cuenta pendiente, la falsificación del dólar, no sin que antes las amistades hechas en el campo y la ética generen más de un contratiempo.

La caracterización de los personajes es de una calidad altísima, al igual que las interpretaciones. El personaje de Sorowitsch, magistralmente interpretado por Stefan Ruzowitzky, es sencillamente brutal. Experto dibujante, tahúr y mujeriego con el saber estar de aquel que consigue lo que quiere a la vez que obedece a ultranza a ideales tan nobles como la amistad y que contrasta con una filosofía de vida más que discutible pero que muchos añoran.

En cuanto a los aspectos técnicos de la cinta, están muy cuidados. Mención especial a la banda sonora, que con sus tangos provoca en el espectador una comunión especial con la historia contada. En conclusión, lo que aparentaba ser una película más sobre el holocausto, es una excepcional historia sin apenas carencias que a buen seguro el tiempo colocará entre las mejores de su temática. (Crítica de Artacho en www.filmaffinity.com)

Web Oficial Austria - http://www.diefaelscher.at/

Web Oficial Reino Unido - http://www.thecounterfeitersfilm.com/

Pozos de ambición (There will be blood) - Paul Thomas Anderson - 2007

De repente pensé que Kubrick resucitaba para rescatar al cine con su grandilocuencia acostumbrada. Al cabo de los minutos me doy cuenta que tengo demasiada imaginación, pues el director no es otro, que el idolatrado autor de "Magnolia", Paul Thomas Anderson, poseído por el espíritu del inolvidable cineasta de la naranja mecánica.
Pozos de ambición respira clasicismo por los cuatro costados, con todas las características que harán de ella una obra magna con el paso del tiempo, un título imprescindible que demuestra que de vez en cuando el cine si es un arte.
Un remake de "Gigante" pasado de revoluciones, con el impresionante Daniel Day Lewis que vuelve tras uno de sus periodos de silencio tras Gangs of New York, en ocasiones me pareció ver en pantalla al mismísimo Marlon Brando, pues el actor británico, interpreta uno de esos personajes que se come la cámara con la fuerza de un tren de mercancías. Lo de Daniel Day-Lewis es de juzgado de guardia. Impresionante la interpretación que se marca el tío. Tras ver semejante burrada interpretativa uno se pregunta si tipos como Nicolas Cage o Richard Gere tendrán la geta suficiente para seguir poniéndose delante de una cámara. Se le ve poco el pelo, tarda en escoger sus papeles, pero cuando se decide por uno lo borda. Es uno de los pocos actores actuales que por si solos hacen que merezca la pena ver una película.
Una obra mastodóntica desde el retrato de unos personajes movidos por la codicia, la corrupción y la falta de ética donde entras en una dinámica destructiva, donde la demencia se apodera de todos los personajes en un descenso a los infiernos que te lleva al final poco ortodoxo pero realmente terrorífico. Una fotografía un tanto austera, aunque suficiente para reflejar a la perfección los áridos paisajes, nada le sobra a esta descomunal obra que dibuja uno de los lienzos más oscuros y terribles de la condición humana.
Evidentemente no es cine para todos los públicos, ya que se la debe reconocer una obra bastante densa, pero si entras en ella no podrás salir.

Rififi - Jules Dassin - 1.955

Jules Dassin es un cineasta que a lo mejor no ha gozado de la fama o suficiente reconomiento dentro del mundo del cine, algo realmente terrible pero que el tiempo le ha dado la razón, la tener una filmografía realmente notable o muy buena; contando con clásicos del cine negro Mercado de ladrones, Noche en la ciudad o La ciudad desnuda por citarles algunas de esas maravillas. Pero sobre todo el mejor trabajo de su carrera y claramente una obra maestra del cine es Rififi; una cinta prodigiosa de buen cine negro y suspense, clásica en aspectos narrativos y formales, pero resuelta con enorme personalidad y capaz de atrapar al espectador de principio a fin. A la espera del remake americano que se especula con Al Pacino de protagonista y bajo la dirección de Harold Becker, la película dío fruto una versión cómica por parte del cine italiano y con tintes algo neoreallista, salío dos versiones una Rufufu de Mario Monicelli; otra obra maestra; y su secuela Rufufu da el golpe, notable cinta aunque en ningún caso perfecta. Dassin hace un trabajo de dirección prodigioso en la puesta en escena, capaz de captar cada momento de tensión en la historia y el desarrollo que se va sucediendo a lo largo de la trama de forma envolvente y turbadora, reflejando a la perfección la psicología y los comportamientos de todos los personajes del film, simplemente cabe decir que es un trabajo memorable, perfecto y nada reprochable. Todo esto hay que acompañarlo de un buen equipo técnico, destacar su fotografía en blanco y negro, montaje, banda sonora, vestuario y maquillaje; todo combinado a la perfección para dar un obra redonda. Otro factor importante y realmente relevante es el conjunto de los actores que están todos ellos perfectos al encarnar a sus personajes de forma sublime que nos atrapan con cada gesto y mirada que capta la cámara, por mencionar alguno cabe destacar a Jean Servais que simplemente genial. Pero todo ello no sería posible sin contar con una historia poderosa narrativamente y visualmente hablando, en donde sabe presentar a los personajes y la situaciones que se van sucediendo, un guión escrito por el propio Jules Dassin basado en una novela de Auguste Breton. El film en su día recibío varios premios, entre los que cabe destacar premios de la crítica francesa, y el Premio a la Mejor Dirección en Festival de Cannes de 1955. La cinta nos cuenta la historia de Tony le Stephanois que sale de prisión, y prepara un posible robo que puede ser perfecto. Pero dicha perfección es engañosa que pasará posibles consecuencias. Un film realmente maravilloso de principio a fin, todo un clásico del séptimo arte y cine negro. Calificación numérica 10 sobre 10, en conclusión obra maestra. (Comentario de Luis Alfonso Ortíz en http://carteles.metropoliglobal.com)

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Arsénico por compasión - Frank Kapra - 1.944

Estamos sin duda ante la comedia más disparatada de Frank Capra, y ante el más desquiciado Cary Grant, humor fresco y desternillante en un clásico irrepetible. La acción se desarrolla en una pequeña casa, donde veremos, cavar fosas, matar a ancianos, portazos, secuestros, todo sin apenas cambiar de habitación. Destacar el papel secundario de Peter Lorre, no me he reído tanto desde hacia mucho con un actor, que gestos, que miradas, de carcajada.

Una comedia maravillosa. De las grandes. Y que, al mismo tiempo, significó una avanzada defensa (entre líneas) de la eutanasia. Una buena dosis de sabiduría cinéfila que, de vez en cuando, vale la pena revisar.

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El Circo - Charles Chaplin - 1.928

El Circo fue, en su momento, uno de los grandes éxitos de Chaplin, pero irónicamente fue la película que menos le agradó, motivo por el cual oculto todas las copias luego de su estreno.
Quizás se debió a los múltiples accidentes que sufrió el elenco, los tres sucesivos incendios del set y la constante revisión y reajuste de cuentas que sus administradores efectuaban. Aunque sus biógrafos y críticos de la época culpan al desastroso divorcio de su tercera esposa, Lita Grey, expuesto maliciosamente y en exceso por la prensa amarilla.
Lo cierto es que cuando terminó de rodar "El Circo" Chaplin dejó de trabajar como antes y hasta su pelo encaneció casi por completo.
Las copias que circulan hoy en día han sido restauradas y la música original procesada digitalmente. El acompañamiento musical original lo compuso y editó el mismo Chaplin. La versión en DVD contiene escenas que se eliminaron en su estreno.
Chaplin recibió un premio honorario de la academia por su labor en El Circo y por su trayectoria en el cine. Muchos opinan que fue en desagravio por el mal trato recibido por la prensa y personalidades de la política durante 1928.

Antonia - Marleen Gorris - 1.995

La directora Marleen Gorris lleva a la pantalla una encantadora comedia surrealista, donde tanto la magia como los personajes reales se consolidan de una forma espléndida para el gozo del público abierto a cualquier posibilidad. El guión de Gorris es tan cálido, que incluso el público tiende a sentir cierta empatía por los villanos de ésta cinta. El agudo humor y la picardía de los personajes centrales (nota curiosa: realmente no existe un personaje protagónica en "Memorias de Antonia") alejan a ésta cinta de cualquier truco esteticista barato, tan acompañado por el drama de época moderno. La dirección es firme, pero nunca pedante o poco atrevida. Pero lo que más me entusiasmó fue la calidez humana y la atmósfera victoriana que dan ese agradecido aire acogedor y familiar. Las actuaciones también son bastante buenas; sin importar la exagerada idiosincrasia de los personajes, el grupo de estos desconocidos actores holandeses logra una conectividad emocional fascinante ante el pesar personal o el triunfo colectivo. Honestamente no existen muchos halagos suficientes para describir ésta encantadora película. Puede que sus temas (que van desde la homosexualidad hasta el asesinato mismo) sean un tanto "sórdidos" para el público casual, pero nada de esto impide la enorme satisfacción obtenida tras los magistrales momentos finales de "Memorias de Antonia".

Antes que el Diablo sepa que has muerto - Sidney Lumet - 2007

Una proeza cinematográfica; lo más cercano a una obra maestra absoluta. Un film prodigioso, poderoso y vibrante, digno de un maestro como Lumet. No hay fallo mínimamente grande como para no calificarla de excelente y no de muy buena. Disfruten de la tragedia más espantósamente dolorosa y realista que puedan haber visto jamás. Un majestuoso clásico moderno que, sin duda alguna, se convierte en lo mejor de lo que llevamos de año.
No podría olvidar la mención especial de tres actores que deslumbran en cada plano que aparecen: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y Albert Finney. Tres generaciones, tres historias, tres destinos, tres mentalidades.
Esta no es una película que se digiere fácilmente; no queda más remedio que estar horas y más horas pensando en su contenido, haciendo hipótesis y reflexionando sobre la consciencia humana, cuyos límites nunca están predestinados.
En definitiva, cine en estado puro. No os la podeís perder.

Desacuerdo perfecto - Antoine de Caunes - 2006

Como un amigo mío me dijo....tengo fijación con el cine francés, y mira por donde creo que le tengo que dar la razón...he visto esta comedia con el fantástico y nunca decepcionante Jean Rochefort, y la estupenda Charlotte Rampling.

La película peca principalmente de no encontrar una voz propia que ayude al espectador a saber qué tipo de cinta es la que estamos viendo exactamente. Al principio creemos estar ante una comedia, pero las risas vienen tan espaciadas que nos entran dudas. También hay ramalazos de ironía y dureza, sobre todo por parte de la protagonista femenina, pero pronto se abandona ese camino también. Por último, se insinúa una cierta ternura que se hace más palpable hacia la conclusión del film, pero que tampoco le da el tono adecuado. De todo lo nombrado hay en la receta, y según en qué momentos usado con gran acierto, pero la mezcla está hecha sin demasiado cariño y de vez en cuando se ven los grumos.Es en su vertiente de comedia donde Desacuerdo perfecto no logra sumar todos los puntos que harían de ella un producto a recomendar sin reparos. De partida nos encontramos con una idea que ya han utilizado otros en el pasado: nos viene a la cabeza, por ejemplo, Un final made in Hollywood (2002). Pero donde Woody Allen se servía de ese reencuentro entre una pareja metida en el mundillo del celuloide como sólo una de las líneas argumentales para construir una brillante comedia, aquí nos falta algún tipo de complemento que dé más color a la historia principal, que al fin y al cabo debería ofrecer más alicientes que el asistir al choque de caracteres y de interpretaciones de Rochefort y Rampling. En este sentido el cartel promocional es muy significativo: ambos actores sobre un fondo blanco, sin nada que añadir a la crónica de su relación de amor/odio. Los secundarios hacen acto de presencia de vez en cuando, pero en general resultan bastante desperdiciados.Pese a todo, una historia sencilla y agradable que posiblemente contentará más cuanto más cercanos estén los espectadores a la edad de los protagonistas.

Marty - Delbert Mann - 1.955

Impresionante debut en el cine de Delbert Mann (pocos films puede igualar un palmarés con los cuatro Oscars principales y el premio mayor en Cannes). Modesta pero emotiva, "Marty" narra el bello y conmovedor encuentro de dos almas solitarias (un carnicero de buen corazón y una maestra de escuela) en un drama soportado por un inmenso Borgnine que, en un cambio total de registro -casi siempre había interpretado personajes rudos o antipáticos-, nos robó el corazón y se llevó el Oscar.

(Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

Paradise Now - Hany Abu Assad - 2005

Película muy en la línea de Abu Assad. Bien argumentada y que muestra con toda la crudeza lo que padecen los palestinos. Independientemente de pareceres políticos la película muestra el hecho de que estos jovenes sin trabajo y sin futuro, tienen dos caminos: o no hacer nada y sobrevivir, o unirse a la lucha armada y ahí radica la fuerza del filme. Es dura, es siniestra, es real, desmonta las teorías de occidente y de los medios de comunicación sobre el tema musulmán en cuanto a que lo hacen única y exclusivamente por motivos religiosos y la película te enseña que no, que no tienen mucha más salida que esa. Es más, el tema religioso pasa prácticamente desapercibido y para nada es el hilo central de la película.Aún así se descubren los miedos, las luchas internas, como dos personas como tú y como yo acaban metidos en eso, incluso sin buscarlo ni quererlo, como el sí se convierte en no y como el no se convierte en sí.

Muy recomendable para abrir la mente, para ver la historia desde el otro lado y de esa forma y entonces sí, formarse una opinión.

Lo mejor:El realismo con que Abu Asad trata la trama sin incurrir en tópicos ni buscar la película fácil.

Lo peor:El propio realismo hace que la película sea dura, muy dura.

Garras humanas - Tod Browning - 1.927

Sinopsis:
En Madrid, en un circo gitano, el forzudo Malabar está enamorado de Nanon, la guapa hija del dueño, mas ella tiene fobia a los brazos de los hombres, que siempre han querido agarrarla, sobarla. Por lo que su mejor relación es con el manco Alonzo, que en su número le dispara con una pistola y lanza cuchillos, siempre con los pies. Pero Alonzo es en realidad un ladrón que se hace pasar por un manco para huir de la policía y que, por otra parte, también ama a la bella joven y es capaz de todo por conseguirla.
Tras El palacio de las maravillas y justo ese mismo año Tod Browning volvió a dirigir otra película ambientada en un circo (escenario que tanto le gustaba), pero esta vez aún más bizarra y granguiñolesca y al servicio de su actor fetiche Lon Chaney, el primer título que se barajó era Alonzo the armless.Aunque Chaney usó por primera vez un doble (un auténtico hombre sin brazos) se pasó casi todo el metraje con un doloroso corsé de cuero que le escondía las extremidades superiores, y que sólo alguien como el hombre de las mil caras podía soportar. El film tiene todas las constantes de su director (de hecho el guión está basado en una historia del propio Browning): amor no correspondido, tensión sexual, algo de humor (negro), personajes deformes, farsa, melodrama...Fuertemente criticada en su época por grotesca, permaneció perdida durante años. Hoy en día es considerada por muchos como lo mejor de su director y, desde luego, sigue siendo fascinante.

14 Kilómetros - Gerardo Olivares

Es la realidad hecha película. No puede ser más creíble. Decir semidocumental es decir poco. Nos narra las vicisitudes de unos emigrantes africanos con increíble verismo. Cuando aparecieron los títulos de crédito finales me pareció mentira que fuese un film de ficción. El tratamiento de la luz es impresionante, así como la frescura que aportan los actores no profesionales.Historia emotiva, hermosa y dura hecha para la reflexión, para que nos demos cuenta del dolor que tienen que pasar millones de personas para alcanzar la libertad, y dejar atrás la más terrible miseria.Tiene dos defectillos que son: algún momento previsible y una historia de amor forzada.Jamás una película me ha transmitido tantas emociones. Es imprescindible para entender a estas desgraciadas personas. Es muy importante haber registrado todo el proceso del viaje. Película ejemplar, en definitiva.

Crítica de Kim Ki Duk 2, en http://www.filmaffinity.com

Mi hermano es hijo único - Daniele Luchetti - 2008

Crónica sentimental sobre la realidad política de la Italia de los años sesenta que, a través de la mirada de su joven protagonista, hace un largo y completo recorrido que da comienzo con el minoritario resurgir que el fascismo experimentó en el país transalpino durante aquellas fechas; continúa con la adhesión mayoritaria al comunismo y las posteriores revueltas estudiantiles del 68; y finaliza con la violencia terrorista de años del plomo. El formato, aunque algo más serio y riguroso, no resultará nada extraño al espectador, pues se vale de esa exitosa visión nostálgica a la que series como Aquellos maravillosos años y Cuéntame nos tienen más que acostumbrados. Esto, amén de una buena colección de canciones de época, unas correctas ambientaciones, y unas interpretaciones convincentes, es básicamente lo que la última película de Daniele Luchetti puede ofrecernos, que no es poco dada la situación actual del cine italiano.

Critica de Fernándo Bermejo en www.filmaffinity.com

http://www.mihermanoeshijounico.es/

53 días de invierno - Judith Colell - 2006

Gracias a diálogos bien escritos y a personajes con suficiente construcción, los intérpretes hacen un buen trabajo. La dobladora y actriz Mercedes Sampietro, que abre y cierra el film, es quizá quien más destaca como consecuencia de su inquietante corrección; seguida de la joven Aina Clotet, que, además de interpretar su personaje con convicción, es la más entrañable del elenco. Alex Brendemühl, el tercero es discordia, está mejor que en cualquiera de sus trabajos anteriores, donde demostraba ser uno de los intérpretes más fríos de nuestro país, pero tampoco aquí termina de ser un actor carismático. María Pau Pigem, Montserrat Salvador, Silvia Munt, Joaquim de Almeida, Celso Bugallo y Abel Folk completan el reparto al mismo nivel interpretativo que los mencionados con mayor detalle.
A pesar de que existe una frialdad y una distancia considerables en el film, algunas de las emociones se consiguen contagiar a quienes estamos al otro lado de la pantalla. Las situaciones, aunque no pasan de anecdóticas, no son totalmente despreciables y tampoco podemos quejarnos de que los conflictos tarden en plantearse o de que lo que se cuenta se quede detenido en el tiempo a lo largo de los 91 minutos de su exageradamente paralelizado montaje.
Por lo tanto, no se podría decir que la película sea mala o que tenga ningún defecto concreto. Sin embargo, la directora elige contarnos sus tres historias de manera muy pausada y lenta. Y esto, a pesar de no ser un fallo por falta de ritmo en el guión ni en el montaje, sino una elección estética, tiene la inevitable consecuencia de convertir el film en aburrido.
Quizá los momentos más bajos de ‘53 días de invierno’ son aquellos en los que los personajes escuchan en la radio historias de seres que se sienten tan solos como ellos mismos. Estos testimonios no sólo son innecesarios para que sintamos la soledad de los personajes, sino que, además, son demasiado obvios y literales. Y componen los instantes más soporíferos de todo el largometraje. También encuentro superfluos los carteles que anuncian el día que comienza, ya que, además, se trata de un recurso muy manido. Pero son detalles mínimos dentro de la globalidad del film.

Texto extraído de www.blogdecine.com
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La torre de Suso - Tomás Fernández - 2008

"Agradable, entrañable y muy divertida. Una de las mejores películas españolas del año, que no es algo fácil de lograr. Ni demasiado difícil tampoco."
La Torre de Suso es el debut como director de Tom Fernández, guionista curtido en televisión que se lanza en el largometraje con esta amable historia .
Javier Cámara está enorme (en todos los sentidos) y el resto del elenco logra una química inusual en este tipo de cine nuestro logrando una emotiva radiografía sobre la familia y la amistad que evita caer en la ñoñería resultando sorprendentemente divertida.
Mención especial para un inmenso Emilio Gutiérrez Caba y una cercanísima Malena Alterio que se encarga de la parte, salvando las distancias, romántico-festiva-surrealista de la historia con la forma de llevar su especial relación con Javier Cámara.
Una película que se merece toda la suerte del mundo porque está bien rodada, tiene ritmo, mucho humor y sabe cuando dar con la tecla de la emotividad. Una sorpresa muy agradable.
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